Disney Minus: Der Geist von 1943

Krieg! Ausbildung! Tod! Disney setzt auf schnelle und effiziente Animationen im Kampf ums Überleben an der internationalen und heimischen Front.

„Als Uncle Sam zu uns auf das Grundstück kam, brachte er eine neue und notwendige Institution mit“, heißt es in „The Ropes at Disney“, einem illustrierten Handbuch, das 1943 den Mitarbeitern ausgehändigt wurde. „Wir beziehen uns natürlich auf den Ausweis.“

„Der Punkt ist (und wir machen keine Witze), dass Sie ohne Ihren Ausweis weder morgens noch abends durch das Büro kommen können.“ Es war ein Zeichen der Zeit bei Disney und ein Indikator dafür, dass die ersten zwei Jahrzehnte des künstlerischen Experimentierens etwas anderem gewichen waren. Ein Weltkrieg, Streiks, wirtschaftliche Enttäuschungen und eine stark veränderte Personalstruktur hatten das erste Goldene Zeitalter beendet.

Dennoch gibt es im Jahrhundert der Disney-Geschichte nur wenige Jahre, die in aller Stille so bedeutsam sind wie 1943. Es war 20 Jahre her, seit das Laugh-O-Gram Studio bankrott ging und Walt und Roy das Disney Brothers Studio gründeten. Zwei Jahrzehnte später befand sich Disney erneut in einer Finanz- und Kreativkrise.

In diesem Jahr wurden keine großen Zeichentrickklassiker veröffentlicht, dennoch entstanden einige der faszinierendsten Zeichentrickfilme von Disney. Ihre Produktion war zu dieser Zeit produktiv, und dennoch sind derzeit nur zwei Kurzfilme aus dem Jahr 1943 auf Disney+ zu sehen. Während sich die Welt im Krieg befand, gab es im Geiste von 1943 gleichermaßen pädagogische Kurzfilme, Propaganda und ikonische Debüts.

Die 1940er Jahre waren für Disney bereits ein turbulentes Jahrzehnt. Nach den finanziellen Enttäuschungen von Fantasia und sogar Bambi sowie dem langwierigen Animatorenstreik von 1941, der die Kultur des Studios veränderte, ergriff Walt wahrscheinlich die Chance, einige garantierte Verträge zu bekommen.

Diese Chancen ergaben sich in Form von Regierungsarbeit. Im Jahr 1941 baten das US-Außenministerium und das Büro des Koordinators für interamerikanische Angelegenheiten (CIAA) Disney, im Rahmen des Good Neighbor Program eine Goodwill-Tour durch Südamerika zu unternehmen. Damals befürchteten die USA, dass sich bestimmte Teile Lateinamerikas den Achsenmächten zuneigten, und wollten kulturelle Bindungen nutzen, um die lateinamerikanischen Verbindungen zu stärken.

Walt und etwa 20 Künstler erhielten eine Reise durch Südamerika, und alle Filme würden von der Regierung garantiert. Letzteres war besonders gut für das finanziell angeschlagene Studio und führte zu Filmen wie „Saludos Amigos“ (1942), „Die drei Caballeros“ (1944) und einigen von Disneys ersten Vorstößen in den Bildungskurzfilm.

Doch Ende 1941, nach dem japanischen Angriff auf Pearl Harbor, traten die USA in den Krieg ein. Disney drehte bereits Filme, um kanadische Kriegsanleihen zu verkaufen, wie zum Beispiel „The Thrifty Pig“. Bis 1942 hatte die Armee buchstäblich ihre Büros bezogen, um den nahegelegenen Stützpunkt Lockheed zu schützen. Zu dieser Zeit drehte Walt „Ice Formation on Aircraft“ als technischen Machbarkeitsnachweis für militärische Trainingsvideos. Im selben Jahr nutzte Disney Donald Duck, um Menschen dazu zu bringen, ihre Steuern pünktlich einzureichen, und zwar in „The New Spirit“, einem Film, den die Gallup-Umfrage schätzte, dass ihn etwa 60 Millionen Menschen sahen.

Das Experiment hat sich in gewisser Weise ausgezahlt. „Im Jahr 1943 war das Studio nur noch weiter in den Kriegssumpf gerutscht“ und nur mehr zu einer Verteidigungsfabrik und weniger zu einem Filmstudio geworden“, schreibt Neal Gabler in Walt Disney: The Triumph of the American Imagination (2006). „94 Prozent der Produktion gingen nun an die Regierung, und allein im Juni 1943 produzierte das Studio nur 2.300 Fuß weniger Film als im gesamten Jahr 1941.“

Es hielt die Finanzwölfe eine Zeit lang von der Tür fern, aber war es gut?

Der Ton des Jahres 1943 wurde schon früh mit „Der Führer“ vorgegeben, auch bekannt als der Film, in dem Donald Duck ein Nazi ist – wenn auch ein äußerst zurückhaltender. Der ursprüngliche Titel „Donald in Naziland“ wurde aufgrund des durchschlagenden Erfolgs eines gleichnamigen Liedes von Oliver Wallace, das durch Spike Jones populär gemacht wurde, geändert.

Der Kurzfilm landet in einem Amerika im totalen Krieg und unter strenger Rationierung. Die Verspottung des Lebens im „Nutzi-Land“ erfolgte also in zweierlei Hinsicht: Der Feind wurde als Freiwild angeprangert, es wurden rassistische Karikaturen der Deutschen und Japaner verwendet und mit großem Humor deren Macht geschwächt. Es sollte auch zeigen, wie viel schlimmer die Unterdrückung unter der deutschen Diktatur war, die dadurch gekennzeichnet war, dass Donald von einer Produktionslinie aus der Zeit vor „I Love Lucy“ bestraft wurde.

Es enthält eine surreale tanzende Muschelsequenz, die Albträume anheizt, wie eine düstere und verdrehte Version von Dumbos Szene mit dem rosa Elefanten. Den Höhepunkt bildet Donald, der zu Hause aufwacht und sagt: „Bin ich froh, Bürger der Vereinigten Staaten von Amerika zu sein?“ – und eine Tomate ins Gesicht Hitlers –, und das Publikum ist zu einem letzten Mitsingen eingeladen. (Versuchen Sie nun, mit dem zusätzlichen Bild von Tausenden von Kindern aus den 1940er Jahren zu schlafen, die ein Lied über Hitler singen.)

Mit Education for Death, das auf einem Buch von Gregor Ziemer basiert und den Untertitel „The Making of the Nazi“ trägt, kann man mit Fug und Recht sagen, dass Disney selten einen gruseligeren Zeichentrickfilm abgeliefert hat. „Was macht einen Nazi aus?“ fragt Erzähler Art Smith in der Eröffnungsszene, mit einem dramatischen Zoom auf ein Symbol des Hasses. Von der Geburt eines deutschen Jungen bis zu seinem Dienst als Soldat ist dies der ernstere Gegenpart zum komischen „Der Führer“. Es gibt zwar Szenen, die für die Komödie gespielt werden – insbesondere die Szenen, in denen Hitler in Ritterrüstung Deutschland auf eine „Fahrt“ mitnimmt – aber dies ist eine düstere Erzählung, wie sie nur sein kann.

Mithilfe von Karikaturen wird hier Disneys erste Adaption von „Dornröschen“ als das Märchen umgestaltet, das Hitler dem deutschen Volk erzählt. Die Reise des oben erwähnten Jungen zeichnet die Namensgesetze, die Auslöschung der Empathie von Kindern und ihren Eltern und die Entstehung eines Hasses auf jedes Zeichen von Unterschied nach.

Die letzten Momente dieses Films sind zu Recht erschreckend. Nach einer Montage aus Bücherverbrennung und kulturellem Ersatz sehen wir die schreckliche Vision deutscher Soldaten, die im Einklang marschieren, ihre vielen Gesichter durch menschengroße Hundemaulkörbe verdeckt werden, bevor sie alle durch Gräber auf einem Schlachtfeld ersetzt werden. Es ist düsteres Zeug.

Wenn „Reason and Emotion“ dagegen außerhalb der engen Grenzen der Kriegsbemühungen veröffentlicht würde, würde man es wahrscheinlich als eines von Disneys ganz großen Werken bezeichnen. In dieser unbearbeiteten Form ist es zweifellos ein Stück Propaganda, aber es hat auch eines der beständigsten Motive der Unterhaltungsbranche – nämlich den Blick auf die Persönlichkeiten in den Köpfen der Menschen zu werfen.

Obwohl er „Inside Out“ und „Herman's Head“ gleichermaßen inspiriert, gibt es immer noch Elemente, die den Film sehr stark auf das Jahr 1943 datieren. Als der Mann eine vorbeigehende Frau entdeckt, gibt es einige Gedanken, die in Disneys Werk von 2023 möglicherweise nicht auftauchen, was darauf hindeutet, dass dies der Fall war damals wahrscheinlich für Erwachsene gemacht. Für einen vergleichenden Blick in die Gedanken einer Frau fragt der Erzähler: „Dürfen wir uns für einen Moment Ihren hübschen Kopf ausleihen?“ Während wir dort sind, sehen wir den Kampf zwischen Hunger und Vernunft. „Unkontrollierte Emotionen können einem viel Ärger bereiten“, sagt der Erzähler, und die Bilder zeigen uns, dass er „fett sein“ meint.

Der Knackpunkt der Propagandaelemente ist die Einführung eines Mannes, der von all den Gerüchten, die er über den Krieg hört, gestresst ist. Diese wunderbaren animierten Non-Sequituren, die als Geister dargestellt werden, zeigen, dass unkontrollierte Emotionen dazu führen können, dass man leicht kontrolliert werden kann. Der Kurzfilm verwendet dann offenkundig Hitlers Deutschland als Vergleich, was ihn zu einem Begleitstück zu „Education for Death“ macht. Der Deutsche wird als unvernünftiger Anführer dargestellt, der Worte ausspuckt, die Vernunft unterdrückt und aus „Angst vor dem Konzentrationslager, Angst vor der Gestapo“ führt. Wie „Chicken Little“, der Ende 1943 als Allegorie der Angstmacherei in die Kinos kam, war auch dieser Film eine Analyse der Nazi-Propaganda. Subtil sind sie nicht, aber es ist ein wirksames Bild für eine Kriegsnation.

Auch bekannte Charaktere setzten ihre Abenteuer während des Krieges fort. Donald meldete sich 1942 mit „Donald Gets Drafted“ zum Militärdienst, und Disney verfolgte dies im Verlauf von etwa sechs Kurzfilmen, darunter dem sehr lustigen Fall Out – Fall In. Neben Donalds Abenteuern in Nutziland kam er zurück, um in „The Spirit of '43“ zu erklären, wie vorteilhaft es ist, Steuern zu sparen, um die Achsenmächte zu schlagen, wurde von Spike the Bee (und seinen Neffen) geplagt, als er in der Heimatverteidigung Flugzeuge entdeckte, und kämpfte gegen die Gummirationierung Donalds Reifenprobleme. Es ist möglich, dass seine Machenschaften in „The Old Army Game“, in dem Donald sich eine Waffe an den Kopf hält, ihn aus den Streitkräften geworfen haben.

Der verblassende Star Mickey erschien 1943 wirklich nur einmal in dem in Uruguay spielenden Pluto und das Gürteltier, einem weiteren Produkt der CIAA-Initiative, und er wird von seinen Titelkollegen in den Schatten gestellt. Goofy leistete seinen Beitrag für die Heimatfront, indem er in „Victory Vehicles“ eine Reihe lächerlicher, aber urkomischer Transportmittel vorstellte – inklusive des Ohrwurms „Hop on Your Pogo Stick“. Sogar Pluto meldete sich bei Private Pluto an, kämpfte gegen ein Paar Streifenhörnchen und machte 1943 zum Debütjahr von Chip 'n Dale.

Eine der bekanntesten Filmproduktionen des Jahres blieb letztlich eine, die nicht realisiert wurde. Die Gremlins wurden von einem bekannten Namen geschrieben: Flight Lieutenant Roald Dahl. Ja, zwei Jahrzehnte vor James und der Riesenpfirsich und Charlie und die Schokoladenfabrik war dies Dahls allererstes Buch für Kinder. Mit Cover-Artwork von Mary Blair und Illustrationen von Bill Justice und Al Dempster, die nicht im Abspann aufgeführt sind, erzählt es die Geschichte der titelgebenden Tiere, die von RAF-Piloten gesichtet wurden, die Löcher in die Tragflächen ihrer Flugzeuge bohrten. Ursprünglich als Spielfilm gedacht, wurden in den USA 50.000 Exemplare gedruckt, obwohl ein Papiermangel einen schnellen Nachdruck verhinderte. Teilweise dank Fragen zu Rechten und Dahls Beharren auf der Genehmigung des Drehbuchs kam der Film selbst nie zustande. Warners Bugs-Bunny-Kurzfilm „Falling Hare“ erschien im selben Jahr mit einer ähnlichen Prämisse.

Während der Film „Die Gremlins“ nicht zustande kam, kam eine weitere Adaption aus einer unwahrscheinlichen Quelle zustande.

„Die wichtigste Einzeltatsache über den gegenwärtigen Krieg ist das Aufkommen der Luftfahrt als überragender und entscheidender Faktor bei der Kriegsführung“, sagte der russisch-amerikanische Luftfahrtpionier Alexander P. de Seversky in seinem Buch „Victory Through Air Power“. Anschließend beschreibt er die verheerenden Auswirkungen eines feindlichen Angriffs auf New York, Detroit, Chicago und San Francisco, die „in den ersten vierundzwanzig Stunden in Schutt und Asche gelegt“ wurden. Sein grundlegendes Verständnis war, dass sich die Natur des Krieges verändert hatte. „Es gibt nur ein Ziel: das ganze Land.“ Mit anderen Worten: Die USA brauchten eine eigene Luftwaffe.

Es war ein sehr überzeugendes Argument. So sehr, dass der einzige Spielfilm des Studios, der für die Kriegsanstrengungen veröffentlicht wurde, eine Art Leidenschaftsprojekt von Walt Disney war. Basierend auf Severskys Buch war Walt von dessen Grundsätzen so überzeugt, dass er die Animation in diesem Film persönlich finanziert haben soll. Wie Leonard Maltin 2004 in einer DVD-Einführung sagte: „Walt hat ganz einfach seinen Worten Taten folgen lassen.“

Im Kanon der Disney-Kriegsfilme zeichnet sich „Victory Through Air Power“ nicht nur durch seine Länge aus, sondern auch durch seinen Versuch, sowohl lehrreich als auch unterhaltsam zu sein. Es hat einen Sinn: Es steht direkt im Titel. Dies hindert Disney jedoch nicht daran, das Drama auf Schritt und Tritt zu bringen. Wie der Trailer zu diesem Film behauptet, handelt es sich um eine „spannende grafische Visualisierung des Buches“. Walt brachte dies schnell in die Produktion, um die Dringlichkeit der ansonsten abstrakten Idee der Luftkriegsführung zu veranschaulichen.

Dabei ist es die reine Animation, in der der Film seine größte Wirkung entfaltet. Das Problem, sich auf den Versand zu verlassen, wird durch die Animation eines tatsächlichen riesigen Engpasses verdeutlicht. Animierte Karten, die von Symbolen der Achse dominiert werden, zeigen das Potenzial ihrer Reichweite mit um den Globus geschlungenen Tentakeln. Mit Blick auf die Kriegsjahre 1947 und 1948 plädiert der Film für einen „Highway to Victory“ durch Alaska. Nur wenige Zuschauer dieser Zeit würden angesichts der beleidigenden Darstellungen von Deutschen und Japanern mit der Wimper zucken, und sie werden hier mit unerbittlicher Absicht verwendet.

Die letzten Momente des Films sind die eindringlichsten, da sie Severskys Untergangsprognosen direkt von der Seite in die animierte Realität übertragen. Von oben abgeworfene Bomben bohren sich tief in die Erde und zerstören Städte. Wie in einer Art früher Kaiju-Film kämpft ein Riesenadler gegen einen ebenso großen Oktopus, bevor er auf einer amerikanischen Flagge landet. Sicher, es ist offensichtliche Propaganda, aber es lohnt sich zu wiederholen: Wir schreiben das Jahr 1943 und die Welt befindet sich im Krieg.

Das Ergebnis war greifbar, und sowohl Winston Churchill als auch Franklin D. Roosevelt forderten Berichten zufolge Drucke an und waren letztendlich von der Botschaft überzeugt. Außerdem wurde den amerikanischen Bürgern ein theatralisches Stück Edutainment geboten, um ihre Unterstützung zu untermauern.

In einigen Fällen handelte es sich lediglich um technische Diagramme und Karten für Armee-Trainingsfilme, wie etwa die Aerology-Reihe für Lockheed und das Militär. Dazu gehörten Filme wie „Die Theorie des C-1-Autopiloten“, „Flugzeugholzreparatur“ und Dutzende Stunden trockener Animation, die die Schulungsproduktionen bereicherten. Im Fall von Electronic Control System of the C-1 Auto Pilot Part 1: Basic Electricity entwickelte Disney ganze Zeichentrickfiguren wie Mr. Volt und Mr. Current, um zu erklären, wie Elektrizität funktioniert.

Sie setzten ihre Arbeit mit der Regierung in lateinamerikanischen Beziehungen für die CIAA fort und produzierten Gesundheitsfilme wie „The Grain That Built a Hemisphere“, „Water: Friend or Enemy?“ und „Die geflügelte Geißel“ (mit einem Cameo-Auftritt von „Sieben Zwerge“) lieferten wichtige Gesundheitsinformationen und lieferten gleichzeitig einige auffällige, aber kosteneffiziente Animationen. Äußerst realistische Figuren und Objekte, die oft Animatoren wie Bill Tytla, Josh Meador und Ed Aardal zugeordnet wurden, verliehen all diesen Filmen ein einzigartiges Aussehen und Gefühl.

Ein persönlicher Favorit des Jahres ist „Defence Against Invasion“, das darauf abzielt, Menschen über die Wirkungsweise von Impfstoffen aufzuklären. Wenn uns die letzten Jahre etwas gezeigt haben, dann ist es, dass dies wieder superaktuell geworden ist.

Der Film ist ein Live-Action-/Animations-Hybrid, der erklärt, wie das Immunsystem funktioniert und wie Impfstoffe in den Körper gelangen. Wenn Sie mit dem modernen Anime „Cells at Work!“ vertraut sind, wird Ihnen das im Nachhinein bekannt vorkommen. Es gibt eine kleine Modellstadt im Inneren des Körpers, in der Krankheiten als Saboteur der hart arbeitenden Fabrikzellen fungieren. Im Kontext globaler bewaffneter Konflikte dienen Impfstoffe als Analogie zu einer gut bewaffneten Verteidigungsmacht.

„Das Todesröcheln der Impfpistolen ist von allen Seiten zu hören.“ In der Tat werden hier juckende und kratzige Ausmaße an Gewalt gezeigt. Eine ganze kleine Armee und Luftwaffe aus guten Zellen werden aufgebaut, um die eindringende Krankheit zu bekämpfen und eine Grenze zwischen Oberflächenkontakt und durch die Luft übertragenen Krankheiten zu ziehen. Ungeachtet der Kriegsanalogien handelt es sich in dieser Zeit nach der Pandemie um sehr vertrautes Terrain, mit Animationen, die sich frisch und modern anfühlen.

„Es ist weder visionär noch anmaßend für uns, den Einsatz unseres eigenen Mediums im Lehrplan jedes Schulzimmers der Welt vorwegzunehmen“, sagte Walt Disney 1943.

Jedes Kind, das „The Story of Menstruation“, die „Upjohn Triangle of Health“-Reihe oder Jiminy Crickets Lebenslektionen durchgelesen hat, kann dies bestätigen. Die Chancen stehen gut, dass Sie irgendwo zwischen den 60er und 80er Jahren eine Filmrolle oder ein Video gesehen haben, das Ihrem Lehrer die Möglichkeit gab, ein kurzes Nickerchen zu machen. Das Jahr 1943 festigte vor allem Disneys Ruf als Anbieter kostengünstiger und einflussreicher pädagogischer Animationsfilme.

Obwohl es offensichtlich ist, warum Disney seit den Walt Disney Treasures: On the Front Lines-DVDs im Jahr 2004 nicht viel von der diesjährigen Veröffentlichung auf seinem Flaggschiff-Streaming-Dienst veröffentlicht hat und auch nicht viel einer offiziellen Veröffentlichung im Wege steht, gibt es doch eine Goldgrube davon Animationsstile und Inhalte für diejenigen, die bereit sind, tiefer in die Materie einzutauchen.

Disney verbrachte den größten Teil des Jahrzehnts damit, Spielfilmpakete und Kompilationsfilme zu produzieren, seine Bildungsarbeit durch kommerzielle und staatliche Kostbarkeiten fortzusetzen und sich weiter auf Live-Action- und Hybridfilme zu konzentrieren. Auch wenn „Disney 20“ vielleicht nicht so sexy ist wie die Disney 100-Kampagne, bleibt es ein wichtiges Archiv eines bestimmten Zeitpunkts und ein entscheidender Wendepunkt für ein kreatives Unternehmen.

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Herausgeber von TheReelBits. Sie können Richards ungefilterten Gedankengang auf Twitter @DVDBits sehen. Sein komplettes Filmtagebuch ist auf Letterboxd. Richards Buch „Moving Target: The History and Evolution of Green Arrow“ ist jetzt bei Sequart erhältlich.